martes, 15 de agosto de 2017

Vicent Van Gogh y los Comedores de Patatas



"Durante todo el invierno, 
he tenido en mis manos el hilo de este tejido 
del cual buscaba el modelo definitivo"


Vicent Van Gogh





Quien diría que la patata llegada a Sevilla en 1570 tardase más de dos siglos en considerarse comestible, mientras iba dando volteretas por toda Europa de aquí para allá.

Planta de uso ornamental acusada de maléfica, portadora de la lepra o alimento afrodisíaco por los intelectuales y religiosos.

Las gracias se la debemos a un señor llamado Augusto Parmentier, que se atreviera a presentarla al mismísimo rey Luis XVI, como remedio salvador de la hambruna que padecía Francia por entonces. 

Sucedía el hecho en una tarde de agosto de 1775 en el palacio de Versalles 

“Señor, quiero ofreceros un ramo digno de su majestad: La flor de una planta que puede solucionar la alimentación de los franceses”


Y la respuesta de dicho rey fuera esta;

"Lo siento señor, 
las cuestiones de jardinería
las lleva la reina"


Curioso, esto sucedía justo cien años antes de la presentación del cuadro. ¿Casualidad, destino o simplemente accidente?

Homenaje a la patata inconsciente de Vicent, que muestra en su obra la salvación o la posibilidad de resurrección, diría yo, del campesinado de la vieja Europa.

Donde en dicha obra queda magistralmente retratado el acto venerable de ser alimentado por el tubérculo sagrado, venido de los andes. 

En esta obra maestra, la humildad y autenticidad por parte del pintor, se traduce en la creación de una escena que supera lo pictórico, sumergiéndonos en un ambiente onírico plagado de miseria y a su vez por la mayor de las dignidades. 






En mayo de 1885 Vicent termina su obra "Los Comedores de Patatas". En el se puede observar la familia del sacristán católico Shafrath, Vicent habitaba en dos habitaciones alquiladas a Shafrath en Neunnen. Una de ellas era utilizada como estudio, ofreciendo cobijo a la inspiración del pintor para crear esta obra maestra. 

Este cuadro representa la suma de todas sus búsquedas anteriores. El tema de la pobreza es vivido con una interpretación que roza lo identificativo, las figuras humanas, sobre todos los rostros, denotan la influencia de las grotescas distorsiones de Daumier. 

La pincelada espesa, sin duda dejada llevar por la pasionalidad que Vicent mantiene sobre la figura del maestro Delacroix. Obra criticada en sus principios, incomprendida entre le círculo de amigos que le rodeaban.







Pero dejemos que sea el mismo Vicent quien nos cuente que sentía y que se esconde tras la intención de la obra:

"He querido dedicarme de manera consciente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra. Mi cuadro exalta pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente."

"He querido que haga pensar en una manera de vivir completamente distinta a las personas civilizadas. Así, pues, no deseo en lo más mínimo que nadie lo encuentre ni siquiera bello ni bueno."


"Durante todo el invierno, he tenido en mis manos el hilo de este tejido del cual buscaba el modelo definitivo, y si ahora se ha vuelto un tejido de un aspecto rudo y grosero, no es menos cierto que los hilos han sido elegidos con cuidado y siguiendo ciertas reglas. Por mi parte, estoy convencido de que a la larga se obtienen mejores resultados pintándolos en toda su rudeza que dándoles su primor convencional."

"Con su falda y camisa azules, cubiertas de polvo y remendadas, y que bajo el efecto del tiempo, del viento y del sol, han tomado los más delicados matices. Una muchacha de una granja es, a mi parecer, más hermosa que una dama; que se vista como una señora y todo lo que hay en ella de verdadero desaparecerá."

"Un aldeano es más bello entre los campos, con su traje de fustán, que cuando va a la iglesia el domingo, acicalado como un señor."


De tales cuadros se aprende algo útil;


"Un cuadro de aldeanos jamás debe de estar perfumado"



De Cartas a Théo



sábado, 5 de agosto de 2017

La Mujer del Sillón Rojo de Cezanne



« No se trata de pintar la vida, 
se trata de hacer viva la pintura. »

Cezanne





... Hoy cierra el Salón. Y como de allí iré por última vez a casa, todavía me gustaría buscar un violeta, un verde o ciertos tonos azules que me parece tendría que haber visto mejor, para no olvidarlos jamás. 

Aunque tantas veces me haya parado delante con inflexible atención, el gran complejo de colores de La Mujer del Sillón Rojo me cuesta memorizarlo, tanto como un número de muchas cifras. Y sin embargo me lo he grabado en la mollera, cifra por cifra. La consciencia de su existencia ha alcanzado una exaltación de mi sensibilidad, que la siento hasta en el sueño; mi sangre me la describe en mi interior, pero el decir pasa de lejos y no es reclamado. ¿Te había escrito ya sobre ella?

Delante de una pared verde terrosa, en la que se repite con mesura un motivo azul cobalto (una cruz con el centro vacío) figura un sillón bajo, rojo, acolchado; el respaldo redondeado se inclina adelante hacia los brazos (que están cerrados como el trozo de manga de un manco). El brazo izquierdo y la borla que pende de éste, saturada de bermellón, ya no tienen como fondo la pared sino una ancha cenefa verde azul que proporciona a su contraste toda su resonancia. 

En este sillón rojo -ya él solo un personaje- está sentada una mujer, con las manos en el regazo de un amplio vestido de rayas verticales, muy ligeramente indicada por medio de pequeños toques dispersos de amarillo y de verde amarillo, hasta el borde de la chaqueta gris azul, cerrada por delante con un nudo de seda que juega con reflejos verdes. En la claridad del rostro, la proximidad de todos estos colores es aprovechada para un sencillo modelado; hasta el castaño de los cabellos en trechas rematadas por un moño y el marrón plano de los ojos deben manifestarse contra su entorno. 

Es como si cada punto supiera de los otros. Tanto participa; tanto actúan en él adaptación y repulsa; tanto cada punto se cuida a su modo del equilibrio, creándolo: como al fin de cuentas todo el cuadro mantiene la realidad de un equilibrio. Se dice que es un sillón rojo (el primer y definitivo sillón rojo de toda la pintura): pero lo es solamente porque en él se ha asociado una experimentada suma de colores que, como quiera que sea, lo refuerza y afirma en el rojo. 

Para alcanzar el máximo de su poder expresivo, el sillón está pintado con gran vigor en torno al suave retrato, al extremo de producir la impresión de una capa de cera. Y no obstante, el color no pesa en demasía sobre el objeto: Este aparece tan perfectamente traducido a sus equivalentes pictóricos que, aun estando tan logradamente comunicado, su realidad burguesa pierde todo el peso en su existencia definitiva de imagen.


Cartas sobre Cezanne

R. M. Rilke


martes, 25 de julio de 2017

Carta de Amor de Simone de Beauvoir a Jean Paul Sartre



Querido pequeño ser:


Quiero contarle algo extremadamente placentero e inesperado que me pasó: hace tres días me acosté con el pequeño Bost. Naturalmente fui yo quien lo propuso, el deseo era de ambos y durante el día manteníamos serias conversaciones mientras que las noches se hacían intolerablemente pesadas. Una noche lluviosa, en una granja de Tignes, estábamos tumbados de espaldas a diez centímetros uno del otro y nos estuvimos observando más de una hora, alargando con diversos pretextos el momento de ir a dormir.


Al final me puse a reír tontamente mirándolo y él me dijo: “¿De que se ríe?”.

Y le contesté: “Me estaba preguntando qué cara pondría si le propusiera acostarse conmigo”.

Y replicó: “Yo estaba pensando que usted pensaba que tenía ganas de besarla y no me atrevía”.

Remoloneamos aún un cuarto de hora más antes de que se atreviera a besarme. Le sorprendió muchísimo que le dijera que siempre había sentido muchísima ternura por él y anoche acabó por confesarme que hacía tiempo que me amaba.

Le he tomado mucho cariño. Estamos pasando unos días idílicos y unas noches apasionadas. Me parece una cosa preciosa e intensa, pero es leve y tiene un lugar muy determinado en mi vida: la feliz consecuencia de una relación que siempre me había sido grata. 

Hasta la vista querido pequeño ser; el sábado estaré en el andén y si no estoy en el andén estaré en la cantina. Tengo ganas de pasar unas interminables semanas a solas contigo.


Te beso tiernamente,


Simone de Beauvoir






lunes, 3 de julio de 2017

Mark Rothko o la Música Pintada



"La gente que llora ante mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos.

Y si usted, tal como ha dicho, sólo se siente atraído por sus relaciones de color, entonces se le escapa lo decisivo".






Mark Rothko nació en Letonia, en una ciudad de dificil nombre de pronunciar; Daugavpils, allá por el 1903. Desde su niñez sufrió la polaridad que enfrenta lo religioso y un ateísmo extremo por parte familiar. Su padre Jacob fué un intelectual con ideas revolucionarias contrarias a la corte zarista de Rusia. Por eso no es de entender que a los cinco años fuese inscrito en el Jéder, al contrario que sus tres hermanos, donde encontró el camino místico del Talmud.



Se cree que su niñez estuvo plagada de adversidades y pesadillas, con la amenaza constante de una represión violenta por parte de las autoridades Rusas hacia los judíos, ya que se les acusaba de pregonar un levantamiento revolucionario.

En palabras del propio Rothko:

"Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques, y les hicieron cavar una fosa común... Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre había ocurrido durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba, y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica."


Y cuando al parecer se hizo realidad la amenaza por parte de los represores rusos no le quedó más remedio al padre de Mark que huir a Estados Unidos en 1909. Hasta 1913 no pudo reunirse su madre Anna, con el padre y sus  hermanos.

No me cabe la menor duda de que algo de su alma quedó en los frondoso bosques de Gauja.



Sucedió que casualmente presenció una clase de arte en el Art Students League de Nueva York, los alumnos realizaban un bosquejo de una modelo desnuda, y en ese momento cambió para siempre el sentido de la vida de Mark (de fomentar el cambio social y el derecho de los judíos pasó al cambio interior, a la búsqueda de un sentido más profundo de su alma). Contaba ya veinte años de edad.


Estudió arte con el artista Max Weber, pero su carácter independentista y autodidacta le hizo escaparse con su círculo de amistades a Lake George y Gloucester, en Massachusetts. Donde llevaría largos periodos sumidos en la bohemia y la desesperanza de los años de la gran depresión. Pero Mark cargaba con el espíritu que habitan los bosques antiguos y junto a Mozart creaba una atmósfera sublime mientras pintaba, dejándose llevar por los sentidos. Desafiando el país, la miseria familiar sumida tras la prematura muerte de su padre en 1914.




Su primera exposición fue en 1933, el 21 de noviembre en la galería Contemporaly Arts Gallery de Nueva York. Ese fue un principio, luego vino la búsqueda de la no forma, su cosmos particular de entender lo religioso. 

El lirismo de Rothko carece de antecedentes pictóricos, su alejamiento de lo representativo hace plantearnos el sentido de la abstracción desde la no plasmación de lo figurativo. La sencillez absoluta, lo quimérico, el interrogante sin un planteamiento físico. 

Mark Rothko estaba hecho de otra materia, unido al pensamiento de lo no conceptual, la mente clara y gloriosa que nos acerca con una simplicidad absoluta a lo místico y lo iluminado. Aquello que está más allá de lo cercanamente razonable.


Se casó con Mary (Mell) Alice Beistle, ilustradora de dibujos infantiles. De dicho matrimonió nacieron sus hijos; Kate y Christopher.

Se suicidaría mucho años más tarde, el 25 de febrero de 1970, después de legarnos su testamento definitivo en la capilla de Houston, sus llamados; "Los Poemas de la Noche"

La gran batalla contra un mercado corrupto hasta la saciedad, degradado y corrompido, tratando la obra de Mark como mera mercancía. El desafío de su hija Kate contra la fundación que comercializaba su obra unida a la lucha por conseguir que acataran los fines socioeducativos que imperaban en el testamento de Mark.

Pero... esa es otra larga historia. La otra parte de la historia que tanto detestamos.

Una cosa es obvia; Mark Rothko no estaba ya para estar aquí.


viernes, 30 de junio de 2017

La Pervertida Historia del Cuadro; "El Origen del Mundo" de Gustave Coubert



El Origen del Mundo (1886)
Gustave Coubert


En la planta baja del Musée d´Orsay de París se puede ver esta joya de la pintura moderna, y ni que decir tiene que tras sortear impresionistas a doquier, uno no deja de sorprenderse ante la tremenda naturalidad pasiva y provocativa del cuadro.

Me pasó junto a mi hija, que ruborizada y sorprendida, lanzó un grito cargado de improperios y desvió dramáticamente su mirada hacia la zona izquierda de la sala mucho más tranquila, donde se muestran idílicos paisajes del Doubs, la tierra natal de Coubert.


Maravillosamente seductora, cargada de incógnitas y reservas. ¿Quién sería la modelo del cuadro? Uno se deja llevar instintivamente por cierta seducción plagada de morbosidad. Sino ustedes mismos... nos remitimos a la larga trayectoria de la pintura; un recorrido plagado de voyeurismo y escándalos recónditos.




Era Joanna Hiffernan, la pelirroja amante de Coubert, ella es la modelo que ha perpetuado su sexo a la posteridad.

Esta es parte de su historia, la que se conoce; otra parte quedará sumida por siempre en el anonimato y en el escándalo.



Joanna Hiffernan
Gustave Coubert


* Todo comienza con Jalill-Bey, embajador Turco en París, coleccionista de arte erótico que visita en 1886 el taller del artista. Desea comprar la escandalosa tela; Vénus et Psyché, pero esta ya tiene dueño. En esa misma tarde se cuenta que Jalill-Bey salió del estudio de Coubert "El Origen del Mundo" y con la tela enrollada y oculta bajo el brazo. Su destino será el mismísimo cuarto de baño del embajador, escondida y tapada tras un pesado cortinaje verde.

* En 1896 su nuevo dueño es Jean Baptiste Faure, barítono de la ópera de París. Otra vez el cuadro se oculta tras otro cuadro, un paisaje nevado también de Coubert. La esposa del cantante se escandaliza de dicha propiedad, no comparte que en altas fiestas de sociedad, este la muestre a sus amigos ni que se desborden en escandalosas y estridentes risotadas masculinas.

* En 1888 la pintura pasa a un marchante llamado; De la Narde, que la vuelve a exhibir a hurtadillas y a solo clientes de extrema confianza.

* Entre 1888 y 1912 perteneció a un gobernador civil puritano y pervertido, a un ginecólogo que lo utilizaba como reclamo publicitario y finalmente estuvo expuesta en un burdel de Montmartre.

* En 1912 la obra es adquirida por una prestigiosa galería a una señorita llamada Vial.

* A partir de esa fecha la obra sale al fin de París, pues es comprada por un coleccionista de Budapest llamado Francois de Hatvany.

* En marzo de 1944 los nazis toma Hungría y es robado por el ejército de ocupación. Se debate con destruir la obra, pero gracias a la intervención del Coronel Schweinkopf se salva. Atribuyendo y apelando a la raza aria del pintor y el valor materia del mismo, unos 300.000 dólares. 

* Entre tanta vacilación el ejercito rojo se hace con el poder en Hungría y es otro Coronel del bando contrario quien se encarga de salvaguardar el cuadro; el Coronel Tastrov aludiendo ahora el carácter revolucionario y anarquista del camarada Coubert.

* En 1955, Sylvia Lacan, protagonista de las reglas del juego de Renoir, le solicita a su marido el psicoanalista Lacan que le regale "El Origen del Mundo" por unos 1.500.000 francos. 

Y así continuaron los escándalos, ya que amigos y familiares no entienden el porqué del cuadro. Que por cierto sirve a la familia Lacan de chácharas Freudianas sobre erotismo y psicoanálisis. Siendo su cuñado finalmente André Masón quien será el encargado de dibujar una nueva obra que oculte el cuadro.

* En 1967 se publica la primera foto de la obra por el sexólogo Zwang.


* En 1977 por primera vez es reproducida en un libro de arte.

* En 1988 es exhibido por primera vez al público en el museo; The Brookyin Museum of Art.

* El 26 de junio de 1995, el ministro de Cultura, Douste - Blazy, hace el discurso de ingreso de la tela en las colecciones nacionales, pero eso sí desestima fotografiarse junto al cuadro...

* Exponiéndose desde entonces en el Musée dÓrsay de París.




Gustave Courbet (1819-1877) 
Le Désespéré

Tengo cincuenta años y he vivido siempre en la libertad, así que déjeme terminar mi vida libre y una vez este muerto, rueguen dejen esto dicho de mí...

"El nunca perteneció a escuela alguna; a ninguna iglesia, a ninguna institución ni academia. A los ojos de todos no procesó ningún sistema ni gobierno, excepto el régimen de la libertad"



lunes, 26 de junio de 2017

Corazón Quemado


La foto corresponde a nudo en la madera, 
sobre el camino que daba acceso a la playa de Cuesta Maneli en Matalascañas.
Camino, Bosque de Pinos y Matorral devorado ayer por las llamas.





Esta publicación anda por la red, realmente no se quien la escrito ni de donde procede, no tiene firma, pero quien lo haya echo denota una aguda sensibilidad que ha conseguido emocionarme y llegarme a lo más hondo.

Con objeto de que no se pierda lo guardo en este; "mi cajón desastre" de situaciones que se cruzan en mi camino y a las que no les guardo orden ni estructura. 
Agradecido comparto el escrito, no todo es ni mucho menos negativo en esto de las redes sociales.

Gracias




Lo siento, no dejo de pensar en ti. 

Te imagino feliz, regocijado por tu obra desatada aún, sentado cómodamente en tu jardín de cardos cambiando constantemente de cadena, atento a las redes sociales, exaltado con "tu victoria", guardando imágenes del lamento de esta tierra a la que prendiste para saciar tus ansias y conseguir una gloria efímera.

He de decirte que me duele el alma al contemplar el baile de sombras calcinando el tesoro más preciado de mi tierra, la fauna y flora que la hicieron única y que quizás nunca vuelvan a recuperar el aspecto que tú y tu obra habéis conseguido destruir. Que sepas que a muchos nos has hecho llorar de rabia, de impotencia, de dolor porque parte de nosotros se ha convertido en ceniza de la noche a la mañana.

Te doy la enhorabuena, has conseguido teñir de gris los cielos de media Andalucía, vestir de fúnebre los campos que nos dan de comer, los ríos que nos sacian la sed y el corazón de los que amamos esta tierra por encima de todas las cosas. La ceniza es el símbolo de tu victoria no cabe duda.

Lo que sí te digo es que la naturaleza te pedirá cuentas más temprano que tarde. Recuerda que "polvo somos y en polvo nos convertiremos", que nada es eterno, y que tú también sucumbirás como ahora caen los árboles fruto de tu acción. Entonces serás pasto para los gusanos, abono para la tierra a la que intentaste destruir. Quizás entonces tu alma vacía comprenda las sensaciones que hoy muchos experimentamos aunque sinceramente lo dudo, la escoria nunca tendrá sentimientos.

Mi único deseo es que el fuego se detenga, que los profesionales que desde el sábado están trabajando no sufran daños, y que la naturaleza con la ayuda de las administraciones se recupere lo antes posible. Los que disfrutamos ese paraíso nunca olvidaremos su aliento, su color, su armonía y su belleza.



jueves, 22 de junio de 2017

Arte en los Refugios de Almería



"Un hombre, cualquier hombre, vale más que una bandera, cualquier bandera"


Eduardo Chillida


*****


"Me encuentro a solas, profundamente inquieto y difuso en el subsuelo, en lo negro, cerca de algún abismo, en el interior de unos refugios construidos hace años para que la gente pudiesen sobrevivir a la barbarie de la guerra"





Vayamos a los hechos:


Una flota alemana el 31 de mayo de 1937 bombardea Almería, mueren 40 personas y deja un reguero de 150 heridos, más 200 edificios destruidos.

El día de Reyes de 1937 , a las dos de la madrugada un avión bombardea la estación de ferrocarril; tres días más tarde varios aparatos vuelven a bombardear la ciudad.

Tras la caída de Málaga el litoral andaluz se vuelve un infierno.

Almería aguanta hasta el final como último reducto Republicano en España, quedando aislada y sola frente de los crueles ataques del bando nacional.

El comienzo de la monumental obra de ingeniería de los refugios se inicia tres meses después del alzamiento fascista de Queipo de Llano, Mola y Franco.

El proyecto fue encargado al arquitecto municipal Guillermo Langle Rubio. Participaron también el ingeniero de minas Carlos Fernández Celaya y José Fornieles, ingeniero de caminos.

Más toda la población de Almería, los barrios, comerciantes, gremios; el pueblo en su totalidad que de manera altruista colaboraron bajo el más alto grado de expresión voluntaria, acelerando así la  construcción de la magnámina obra.


Se consiguió crear cerca de cien accesos a los refugios, la idea era que ningún almeriense tuviese que recorrer una larga distancia para acceder a ellos en caso de ataque.


Los refugios disponían de enfermería, quirófano, sala de curas y zona de almacenamiento de víveres y una cocina - despensa. Luz y agua potable, con una longitud de 4.5 Km de galerías subterráneas.

Llegando a tener cabida para 40.000 personas, todo minuciosamente calculado para albergar casi a la totalidad de la población, que alcanzaba en aquella época un numero de 50.000 personas censadas, aunque incrementada inesperadamente por la famosa "desbandá" de Málaga, episodio terrible para la historia de España.

Tomada Almería por las fuerzas fascistas, los refugios fueron sellados y olvidados para siempre. Hasta que setenta años después se han vuelto abrir, teniéndose que llevar a cabo una ardua tarea de limpieza por el lodo acumulado y la retirada de raíces que impedían el acceso y la circulación por las galerías.




Sentado me apoyo en la pared de la galería, frente a mí; sobre una pared lateral que hace las veces de muro de contención, y aprovechando el fraguado del hormigón como lienzo, un niño ha dibujado. Plasmando podrá decir la impronta del miedo, de las bombas y de los aviones. Incluso el ruido del paso de los coches por el paseo, me ofrece la sensación en estos instantes de ser detonantes de la barbarie.

Me hallo solo, tremendamente solo en este largo pasillo. Frente a mí, el dibujo trazado sobre el cemento y meda por  imaginar a la gente apretada, el olor al espanto, la oscuridad más absoluta, los llantos de los críos, las respiraciones forzadas, los suspiros y algunos rezos por lo bajo (Nos encontramos en zona Republicana, aunque el hombre, de una manera u otra, ha sido creyente).

Y el arte una vez más, mejor dicho la expresión artística que se nos escapa ante tanto horror, a la propia situación presente. Cómo una especie de argumento maldito que nos acompaña desde el principio de la especie humana.

Sofocamos el miedo con lo creativo, disolvemos la parálisis que da el espanto con un movimiento de no es más que pura expresión o escape de la realidad.



¿Es esto Arteterapia? 

Mas bien diría que el intento de aislar un contenido en un fondo carente flujo y de vida.




¿Qué se puede expresar en un largo y oscuro pasadizo sepultado en el fondo de la tierra?



Ya lo aprendimos en Terezing, cuando el horror nazi azotaba en su mayor grado de terror de atrocidad y barbarie.

Cierro los ojos, me imagino a un niño pintado sobre el hormigón aún no fraguado, y me pregunto...


¿Cómo se puede pintar sin luz?